Imagen: Disney/Lucasfilm La amenaza fantasma no es la única película de Star Wars que se relanzará en los cines esta primavera. Cines como AMC y Alamo Drafthouse proyectarán las nueve películas principales en un maratón de 20 horas. El canto ‘One Way Out’ de Andor estalla en la celebración de Star Wars. Al reproducirse en orden cronológico, toda la saga Skywalker se desarrollará efectivamente desde el viernes 3 de mayo hasta el Día de Star Wars el 4 de mayo. Será un evento que durará todo el día: las proyecciones comienzan a las 8 p. m. el viernes y no habrá intermedio. Básicamente, tendrás que crear la tuya propia con las películas (o períodos de tiempo) que creas que son más dignos de posponer. Y si te quedas con todo, obtendrás una vista previa especial de The Acolyte de junio, además de un póster de edición limitada que Lucasfilm aún no le ha mostrado a la gente. Vale la pena señalar que esto será un centavo costoso: donde vivo, el maratón Skywalker Saga cuesta un poco más de $ 84, y eso puede costar más dependiendo de dónde viva. Para aquellos que viven en San Francisco, la nueva misión de Alamo Drafthouse El teatro también albergará el maratón Skywalker. Entre películas, habrá juegos y preguntas de trivia para que los miembros de la audiencia repitan, y habrá un menú personalizado y café y agua ilimitados. La Legión 501, una popular comunidad de fans de cosplayers de Star Wars, también aparecerá el 3 de mayo para darle una “inspección” adecuada. También habrá una experiencia emergente con el tema de Star Wars en el lobby, que será gratuita para el público del 4 al 19 de mayo. Ha pasado suficiente tiempo desde Rise of Skywalker como para que este pueda ser el primer gran maratón de películas para Star Wars se estrenará en los cines dentro de cinco años, si no nunca. (Disney hizo esto anteriormente con las películas de MCU antes de Avengers: Infinity War y Endgame, pero puede ser más difícil lograrlo con Multiverse Saga). Además de ser el 25 aniversario de Phantom, 2024 marcará el quinto aniversario de Rise y el décimo aniversario del primer adelanto de The Force Awakens de 2015. Si terminas yendo al maratón de la saga Skywalker, te deseo buena suerte; eventos como esos suenan geniales, pero probablemente te quiten mucho esfuerzo después. (y probablemente también durante). Para todos los demás, háganos saber cualquier plan que tenga para celebrar el 4 de mayo en los comentarios a continuación. ¿Quieres más noticias de io9? Vea cuándo esperar los últimos lanzamientos de Marvel, Star Wars y Star Trek, qué sigue para el Universo DC en cine y televisión, y todo lo que necesita saber sobre el futuro de Doctor Who.
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Justo cuando crees que el terror con metraje encontrado ha agotado su última vía para algo creativo y nuevo, aparece una película como Late Night With the Devil. Diseñado como un episodio de Halloween de un programa de entrevistas de la década de 1970 que se descarrila, captura perfectamente la estética de la época, así como su creciente fascinación por todo lo oculto. ¿Qué convocó a David Dastmalchian a Late Night with the Devil? (Pero Primero, una nota importante: si conociste esta película gracias al uso de arte de IA, que ha causado revuelo en línea, puedes obtener más información al respecto en este artículo de Variety, en el que los realizadores respondieron con una declaración que dice en parte : “Junto con nuestro increíble equipo de diseño de producción y gráficos, quienes trabajaron incansablemente para darle a esta película la estética de los años 70 que siempre habíamos imaginado, experimentamos con IA para tres imágenes fijas que editamos más y finalmente aparecieron como intersticiales muy breves. en la película». De hecho, se usan tan brevemente que ni siquiera me di cuenta de que el arte fue generado por IA mientras miraba la película, pero si eso es algo que no quieres apoyar, es bueno tener esa información por delante. Durante mucho tiempo, un actor secundario de “ese tipo” (The Boogeyman, The Last Voyage of the Demeter, Oppenheimer, The Suicide Squad), David Dastmalchian asume el papel principal (con patillas oscilantes y una suite de poliéster beige) como Jack Delroy, presentador. del programa de entrevistas nocturno Night Owls. Ha tenido cierto éxito, pero “Mr. Midnight” no ha podido salir de la sombra de Johnny Carson, y después de varios años en el aire, está desesperado por mejorar sus índices de audiencia caídos. Ese es el contexto que obtenemos de la apertura de estilo documental de Late Night With the Devil, que luego pasa directamente a la «cinta maestra recientemente descubierta» del infame episodio, que incluye imágenes detrás de escena capturadas durante las pausas comerciales. Naturalmente, es Halloween , Delroy y su equipo, el productor Leo (Josh Quong Tart) y su compañero y locutor Gus (Rhys Auteri), preparan un especial que esperan deleite y tal vez asuste a los espectadores. Los invitados de Jack incluyen a un famoso médium (Fayssal Bazzi) que afirma poder hablar con los muertos; una parapsicóloga (Laura Gordon) y la joven superviviente de una secta (Ingrid Torrelli), que es el tema de su nuevo libro, siniestramente titulado Conversaciones con el diablo; y un mago escéptico vuelto escéptico (Ian Bliss) que está ahí para cuestionarlo todo y está claramente inspirado en el desacreditador de la vida real James Randi. Además: música, chistes, un concurso de disfraces, hipnosis masiva y… ¿demonios desatados? Imagen: cortesía de IFC Films y ShudderEl dúo de guionistas y directores Colin Cairnes y Cameron Cairnes investigaron; se pueden distinguir muchas horas de programas de entrevistas de los años 70. fueron consumidos como parte de su proceso de investigación y, como resultado, Late Night With the Devil se siente inquietantemente auténtico. El guión también hace un buen trabajo al proporcionar pistas sobre el colapso del último acto de la película. Sabes desde el principio que “un evento televisivo en vivo que conmocionó a una nación” (un guiño al infame falso documental británico Ghostwatch) está a punto de suceder, pero la preparación es casi tan divertida como el caos cuando llega.Late Night With el diablo llega a los cines el 22 de marzo; Llega a Shudder el 19 de abril. ¿Quieres más noticias sobre io9? Vea cuándo esperar los últimos lanzamientos de Marvel, Star Wars y Star Trek, qué sigue para el Universo DC en cine y televisión, y todo lo que necesita saber sobre el futuro de Doctor Who.
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Todos los que leen libros y fanfiction saben que existe una clara diferencia en la velocidad de lectura. Si bien un libro de 500 páginas puede tardar una semana en leerse, leer a “velocidad de fanfiction” puede permitir al lector devorar una ficción de tamaño similar en el transcurso de una noche. ¿Cómo es que el fanfic es capaz de desafiar rutinariamente los límites de la fatiga visual y la necesidad de dormir? ¿Qué importancia tuvo para Jason Reitman ser parte de Ghostbusters: Frozen Empire? Es posible porque el fanfiction es uno de los mejores escritos que existen, sobresaliendo en enganchar a los lectores y mantenerlos cautivados. Dado que este es el objetivo de cualquier escritor que quiera reunir y hacer crecer una audiencia, estudiar el fanfiction y cómo logra este truco de magia en particular puede ayudar a descubrir los secretos para contar una historia que cautive a los fanáticos. A lo largo de los años, he consumido una gran cantidad de fanfiction, que creo que se diferencia de muchas historias publicadas tradicionalmente en tres aspectos: todas ellas lecciones que los autores de SFF pueden aprovechar para profundizar su conexión con su audiencia. Primero, el fanfiction no tiene miedo de darles descaradamente a los lectores lo que anhelan. De hecho, yo diría que la razón principal por la que se crean la mayoría de los fanfics es porque el escritor tiene una idea que no puede dejar de lado y que le hubiera encantado ver en una propiedad. A veces se trata de relaciones, especialmente las queer, que nunca aparecieron en la pantalla ni en las páginas. Otras veces, es una exploración de identidades marginadas y las formas en que los individuos marginados podrían encajar en el mundo. Pero, sobre todo, a los escritores de fanfics les encanta jugar en el entorno limitado de los tropos. Mientras que muchos autores pueden tener miedo de ser etiquetados como “tropeys” o “predecibles”, los escritores y lectores de fanfics crean y buscan activamente ficciones que presenten tropos populares. Los lectores pueden eliminar fácilmente determinadas picazones en Ao3 (Archive of Our Own, un proyecto de la Organización para Obras Transformativas), uno de los sitios de alojamiento de fanfics más populares, utilizando la función de filtrado de etiquetas. Hay casi 150.000 historias en el sitio etiquetadas como “familia de elección”, 133.000 etiquetadas como “enemigos de amantes”, 195.000 etiquetadas como “anhelo mutuo” y 133.000 etiquetadas como “idiotas enamorados”. Hay la asombrosa cantidad de 310.000 ficciones en Ao3 etiquetadas como “daño/comodidad emocional”, un estilo de ficción en el que los personajes se ayudan entre sí a curar heridas emocionales. Con este tipo de demanda, yo diría que cuando los escritores de SFF adoptan los tropos, es probable que atraigan a una gran audiencia que consume felizmente cualquier cosa que pueda convertirse fácilmente en un mapa de tropos. En segundo lugar, en el fanfiction se enfatizan diferentes elementos del oficio: hay un gran enfoque en el diálogo, el desarrollo de los personajes en lugar de la trama, y una atmósfera y una construcción del mundo profundas. Por ejemplo, actualmente hay más de 51.000 obras en Ao3 bajo la etiqueta “bromas”, y los lectores de fanfiction habitualmente elogian a los escritores que pueden crear el tipo de réplica animada y alegre por la que se conoce el fanfiction. Crear un diálogo convincente es difícil, razón por la cual los autores deberían estudiar qué tan buenos son los escritores de fanfics en eso. Parte de esto proviene de conocer completamente a los personajes, lo que coincide con el énfasis del fanfiction en el desarrollo y la interacción de los personajes por encima de la insistencia en que la trama impulse la narrativa. Algunas de las ficciones más desgarradoras que he leído han tenido poca o ninguna trama; tienen lugar en una sola noche o están enteramente en diálogo, por ejemplo. Los mejores fanfics dejan a los lectores con la sensación de que conocen y aman aún más a los personajes presentados, lo que genera una conexión emocional. A menudo cuenta con la ayuda de un enfoque especial en la construcción de mundos y la atmósfera, explicando y construyendo minucias de un mundo existente para que los lectores puedan imaginarlo más plenamente y sumergirse en las vibraciones más importantes. En tercer lugar, como resultado de las técnicas artesanales mencionadas anteriormente, el fanfiction está impulsado por la resonancia emocional que tanto el escritor como el lector tienen con la obra en cuestión. Para los escritores, el fanfiction ha permitido a una generación iniciarse como autores, completando historias en el transcurso de semanas, meses o años. Enseñó a una generación de escritores no sólo cómo elaborar buenas historias, sino también que sus historias eran importantes y valoradas por los lectores, y que había un mercado para el contenido que subvertía el paradigma abrumadoramente blanco, cis y heteronormativo de libros, películas, y programas de televisión a principios de la década de 2000. No todos éramos escritores de fanfics (yo no lo era, simplemente un ávido consumidor), pero ver cómo se acumulaban los elogios, los marcadores y los comentarios sobre historias silenciosas, queer o cualquier otra cosa, tuvo un impacto innegable. Demostraron que había una audiencia para el tipo de historias que queríamos escribir y compartir con el mundo. Y ahora algunos de esos escritores y lectores de fanfics, incluido yo, hemos tomado estas ideas y las hemos publicado: mi primera fantasía para adultos, The Sins on Their Bones, sale el 7 de mayo de 2024 y presenta bromas, añoranza, dolor. comodidad, y todos y cada uno de mis tropos favoritos (amantes a enemigos/amigos a amantes, ¿alguien?). Para los lectores, los fanfic ofrecieron el tipo de conexión que todos esperan tener con su libro favorito: una resonancia profunda y duradera que puede llevar a relecturas tras relecturas. Los lectores de fanfic quieren sollozar con todo su corazón, gritar por el romance de parejas imaginadas y sentir cuando consumen historias. Los mejores escritores de fanfics lo saben y adaptan sus obras para evocar precisamente esas emociones como objetivo principal. Son historias maravillosas que los lectores no quieren dejar de lado, y ¿qué autor no querría saber que se produjeron lágrimas humanas reales por algo que escribieron? Mi esperanza es que la comunidad de escritores pueda tomar las lecciones del fanfiction (artesanía, contenido y otros) y utilizarlas para continuar transformando la industria editorial. En el mejor sentido de las obras transformadoras, y de brindarles a los lectores lo que quieren leer, la inspiración del fanfiction puede conducir a libros publicados de manera aún más tradicional que hablen a los lectores. Y entonces tal vez las cosas cierren el círculo y esos libros inspiren sus propios fanfictions de una nueva generación de creadores. The Sins on Their Bones, de Laura R. Samotin, se estrena el 7 de mayo; Puedes reservar una copia personalizada y firmada en la librería Ripped Bodice de Brooklyn aquí. ¿Quieres más noticias de io9? 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Lo único más impresionante que ver a Paul Atreides montar un gusano de arena en Dune: Parte Dos es ver al director Denis Villeneuve explicar cómo lo hizo posible. Villeneuve sabía que la escena era posiblemente la más memorable y crucial de la segunda mitad de su adaptación, y dedicó una enorme cantidad de tiempo y cuidado para hacerla perfecta. Preparando las escenas del gusano de arena en Dune: segunda parte Del diálogo, hasta los ángulos de la cámara, los camiones que arrastraban arena con ventiladores gigantes y más, hacer que Paul montara el gusano de arena fue una tarea hercúlea. Y en un nuevo vídeo, Villeneuve desglosa cada detalle, con algunas revelaciones muy sorprendentes a lo largo del camino. Gracias a Vanity Fair por el vídeo. El director de ‘Dune: Part Two’, Denis Villeneuve, analiza una escena | Vanity FairDos de las cosas que más me dejaron boquiabierto en el vídeo fueron, en primer lugar, la idea de que Paul extraña su Uber. He visto la película tres veces y nunca se me ocurrió que Paul tuviera que correr tras el gusano de arena porque no tiene experiencia y lo arruinó. Me encanta ese pensamiento detrás de esto. También la idea de que para que la duna de arena cayera correctamente, había tres camiones fuera de la pantalla que arrastraban enormes cilindros es una de esas cosas que no se pueden aprender de un libro, solo tienes que descubrirlo mientras te preparas para hacer. una película. Esas son sólo dos de las muchas revelaciones interesantes aquí. Algunas otras, la idea de que Villeneuve se negó a utilizar luz artificial, por lo que sólo podían trabajar en el lugar a una determinada hora del día, es un testimonio de su precisión. Y todos sus dibujos sobre la marcha y descripciones de los cardanes utilizados también son fascinantes. Básicamente, escuchar a Villeneuve hablar sobre cómo hizo esta escena, todo lo que implicaba y su orgullo por el resultado, es un ejemplo perfecto de por qué Dune: Parte Dos es tan buena y por qué otras películas, que tal vez no se hayan hecho. Con tanto cuidado, ¿no? Dune Part Two ya está en los cines. ¿Quieres más noticias de io9? Vea cuándo esperar los últimos lanzamientos de Marvel, Star Wars y Star Trek, qué sigue para el Universo DC en cine y televisión, y todo lo que necesita saber sobre el futuro de Doctor Who.
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Imagen: Warner Bros.Hace dos semanas, Dune: Part Two salió a los cines y se convirtió en el primer gran éxito de 2024. Incluso con el lanzamiento de Kung Fu Panda 4 el fin de semana pasado, eso realmente no ha cambiado; en todo caso, parece La segunda parte tendrá algunas piernas fuertes durante el resto de su carrera teatral. Denis Villeneuve sobre Ending Dune: Part Two That Way Según Variety, es muy probable que la película de ciencia ficción recaude más de 500 millones de dólares el lunes. Al momento de escribir este artículo, su recaudación global es de 494,7 millones de dólares, lo que la sitúa ligeramente por encima de los 434,8 millones de dólares de la película original. Si bien la película de 2021 tuvo un lanzamiento simultáneo de HBO Max con el que lidiar, la segunda parte fue promocionada como exclusiva en los cines y tiene el boca a boca para continuar. (Si tienes Twitter, probablemente hayas oído hablar del tipo que la ha visto casi 20 veces hasta este momento). Actualmente, es la película más taquillera de todo 2024, tanto a nivel nacional como mundial. Superar los 500 millones de dólares la convertiría en una de las pocas películas en lograrlo en nuestros tiempos (no del todo) pospandémicos, y los analistas han especulado que la película recaudará alrededor de 600 millones de dólares cuando todo esté dicho y hecho. Incluso con el nuevo hito de Dune, Kung Fu Panda 4 logró asegurarse el primer puesto en la taquilla nacional. La secuela animada de Dreamworks recaudó otros 30 millones de dólares en Norteamérica y 39,6 millones de dólares a nivel internacional. Con 176,5 millones de dólares en todo el mundo, todavía le queda mucho camino por recorrer antes de tocar la taquilla de las tres primeras películas, cada una de las cuales recaudó entre 500 y 600 millones de dólares durante sus ejecuciones individuales. La próxima semana, ambas películas tendrán una poderosa competencia en Ghostbusters: Frozen Empire, que ha recibido una gran promoción en las últimas semanas. (Eso, y a la gente le encantan algunos Cazafantasmas). El 29 de marzo, el kaiju irá a la guerra en Godzilla x Kong: The New Empire, aunque ese puede verse perjudicado (o ayudado) por el reciente éxito de Godzilla Minus One. Dado lo bien que le está yendo hasta ahora, WB podría mantener a Dune en los cines por más tiempo de lo normal, pero si no, siempre habrá transmisión. ¿Quieres más noticias de io9? Vea cuándo esperar los últimos lanzamientos de Marvel, Star Wars y Star Trek, qué sigue para el Universo DC en cine y televisión, y todo lo que necesita saber sobre el futuro de Doctor Who.
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Imagen: Prime VideoAdaptar cualquier propiedad conocida siempre va a ser una gran hazaña, especialmente cuando se trata de videojuegos. Una cosa es adaptar un cómic o un programa de televisión y otra adaptar una serie de juegos, que conllevan un mayor grado de autoexpresión. Puedes complacer a algunos fanáticos, pero no puedes complacer a todos, como hemos visto básicamente con todas las adaptaciones de juegos a televisión o películas en los últimos cinco años. Cómo hacer que Freddy Fazbear Pizza Band cobre vida para cinco Nights at Freddy’s Hablando con T3, el cocreador de Westworld, Jonathan Nolan, dijo lo mismo sobre el próximo programa de Fallout. Como muchos, entró en la serie con Fallout 3 allá por 2008, lo que, según dijo, consumió aproximadamente un año de su vida en aquel entonces. En ese momento, habría estado trabajando en bastantes proyectos y fue franco al decir que el juego de rol «casi descarriló toda mi carrera». Los fanáticos de Fallout han estado divididos sobre la serie durante algún tiempo (ver las primeras reacciones a Fallout 76), y a Nolan también le resultó imposible que el programa complaciera a toda la comunidad. «Es una tontería», dijo. «Tienes que hacerte feliz». Con Fallout, continuó, era que todos «entraran en esto tratando de hacer el programa que querían hacer». Teniendo en cuenta las entrevistas anteriores, no parece que este programa vaya a diferir enormemente de esos juegos, pero tendrán su propio giro en los elementos básicos de la serie que probablemente molestarán a los amantes de toda la vida. Entre esto y su trabajo en Batman, lo llamó «algo raro e increíble… tomar algo que amas y tener la oportunidad de jugar en ese universo, para crear tu propia versión». Sin duda le gustaría que fuera un gran éxito de varias temporadas como Westworld y Person of Interest, pero sonó honesto al decir que estaba «muy contento» con el resultado de esta serie. Descubriremos si debería estar feliz cuando los ocho episodios de Fallout lleguen a Prime Video el 11 de abril. ¿Quieres más noticias de io9? Vea cuándo esperar los últimos lanzamientos de Marvel, Star Wars y Star Trek, qué sigue para el Universo DC en cine y televisión, y todo lo que necesita saber sobre el futuro de Doctor Who.
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Imagen: Warner Bros.Hollywood lleva años intentando revivir La pequeña tienda de los horrores para una nueva audiencia cinematográfica. Lo último que supimos es que el director de Arrowverse, Greg Berlanti, iba a intentarlo con Billy Porter y tal vez Chris Evans. Esa versión finalmente fue descartada en 2022, pero Hollywood está tratando de hacer crecer una nueva versión de la querida película una vez más. Ben Schwartz sobre el equilibrio entre la comedia con guión y la improvisación en Renfield | Entrevista io9 Según lo informado por Deadline, la película de comedia de terror se está reiniciando, con el director de Gremlins Joe Dante al mando y Roger Corman (quien dirigió la película original de 1960) como coproductor. ¿El giro? Es una reinvención denominada Little Shop of Halloween Horrors que también pretende ser el puntapié inicial de una nueva franquicia cinematográfica. Dante trabajará con un guión escrito por Charles S. Haas (Gremlins 2). La Pequeña tienda de los horrores original, y su musical más popular de 1986, se centraron en un florista llamado Seymour que descubre una planta con apariencia de Venus atrapamoscas a la que finalmente llama Audrey Jr. (o Audrey II en el musical). La planta logra convencer a Seymour de que siga alimentándola con gente, y las cosas rápidamente se salen de control a partir de ahí. Al momento de escribir este artículo, parece que esa seguirá siendo la premisa general de esta nueva película, más o menos algunos elementos de la trama específicos de Halloween. Lo que no está claro es si se presentará como una comedia de terror pura como la original o si será como la película de 1986 y tomará la ruta musical. Hasta que salga la nueva versión, puedes ver las películas anteriores de Little Shop of Horrors en servicios como Vídeo principal. Y si tienes a Max, puedes ver el episodio «Little Rock of Horrors» de Billy & Mandy. ¡Es corto, pero sigue siendo genial! ¿Quieres más noticias de io9? Vea cuándo esperar los últimos lanzamientos de Marvel, Star Wars y Star Trek, qué sigue para el Universo DC en cine y televisión, y todo lo que necesita saber sobre el futuro de Doctor Who.
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Para muchos de nosotros, es imposible escuchar la palabra «mutante» y no pensar inmediatamente en los X-Men. El equipo de mutantes de Marvel de más de 60 años, tema de cómics, películas, programas, juguetes y más, ha dominado tanto la cultura pop, especialmente en las últimas décadas, que es una línea de pensamiento válida. Entonces, cuando les digo que se estrenará una nueva gran película de mutantes, primero podrían pensar que estoy hablando de Deadpool vs. Wolverine. No soy. ¿Quién debería ser el nuevo Wolverine? Selecciones de io9 Estoy hablando de The Animal Kingdom, una película poderosa, poética y conmovedora del director Thomas Cailley. Ambientada en un mundo donde ciertos humanos han comenzado misteriosamente a transformarse en híbridos de ellos mismos y de animales, la película sigue a un padre y un hijo que lidian con una madre mutante y, eventualmente, con mucho más. Se estrena en cines selectos y bajo demanda el viernes y viene con nuestra más alta recomendación, por lo que io9 se sentó con Cailley para hablar sobre ello. Hablando por video chat con la ayuda de un traductor, el coguionista y director explicó por qué cree que el tema de mutantes es mucho más complejo que solo los X-Men. También hablamos sobre cómo está usando esa metáfora como un espejo de nuestra humanidad, así como el impresionante diseño de la criatura, la filmación en exteriores y cómo esa cohesión agregó un nivel de realismo que las películas protagonizadas por Cyclops, Wolverine y Storm nunca podrían lograr. la entrevista con Cailley a continuación, y definitivamente echa un vistazo a The Animal Kingdom en los cines y bajo demanda el 15 de marzo. Cailley en el set. Imagen: StudioCanalGermain Lussier, io9: Entonces, a pesar de mi excelente reseña, supongo que la mayoría de mis lectores no sabrán mucho sobre The Animal Kingdom. Por favor, cuéntame cómo surgió la idea.Thomas Cailley: Comencé a escribir la película en 2019 con mi coguionista Pauline Munier. Y lo que me gustó fue esta idea de mutación, que por un lado analiza lo que significa crecer, convertirse en adulto, pero también permite explorar la caja negra de la relación entre padres e hijos y el tema de transmisión. También nos permite ver qué pasa en una sociedad donde todo está patas arriba, donde de repente las cosas cambian muy rápido y se despiertan ciertos instintos. Instintos de amor incondicional, pero también de rechazo y violencia. Y esta fue una manera de plantear estas importantes preguntas sobre cómo vivimos todos juntos y nos llevamos bien. io9: Tengo que admitir que, cuando leí por primera vez sobre la película en el Fantastic Fest, lo primero que pensé cuando vi “mutante” fue “X -Hombres.» Y estoy seguro de que mucha gente tiene la misma conexión. Obviamente, esto no es nada de eso, pero ¿cuánto, si es que miraste o pensaste en los X-Men o en cualquier otro tipo de mutantes en la cultura pop antes de atacarlos tú mismo? Emile está mutando. Imagen: StudioCanalCailley: Creo que la metáfora de la hibridación entre humanos y animales se remonta mucho más atrás que los cómics, los X-Men y el Universo Marvel. Hay híbridos de animales y humanos en las paredes de cuevas prehistóricas. Así que es una historia muy, muy antigua que se remonta a la época en la que todavía pensábamos que pertenecíamos al vasto mundo al que ahora nos referimos como naturaleza. Una vez que el cine se apoderó de este tema de la hibridación, ha ido básicamente en dos direcciones. La única dirección es la de la monstruosidad. Los humanos se convierten en animales y por tanto en monstruos. La otra dirección es que los humanos adopten habilidades o poderes animales, y eso los convierte en superhéroes como los X-Men. Nuestra ambición aquí era tener personajes que no fueran ni monstruos ni superhéroes. Y es por eso que tan pronto como un personaje adquiere una característica o rasgo animal, pierde una característica o rasgo humano. Y eso mantiene a nuestros personajes de alguna manera incompletos en su naturaleza, lo cual creo que es la base de nuestra humanidad. io9: Vaya, eso me encanta. También me encanta que, si bien esta historia podría haberse contado a escala global, algo así como el Día de la Independencia, decidiste centrarte realmente en ella y contar esa historia global a un nivel personal con la relación entre padre e hijo. ¿Cómo se tomó la decisión de contar esta historia de esa manera?François (Romain Duris) y Émile (Paul Kircher)Imagen: StudioCanalCailley: Lo que estructura el guión y la historia de la película es precisamente esta relación entre padre e hijo. Y eso era lo que me interesaba en el nivel más primario. Así es como un padre mira a su hijo y cómo eso cambia. Ese, creo, es el aspecto más universal de esta sociedad. La forma en que la mutación afecta a Émile es, por supuesto, una metáfora del paso a la edad adulta, a la madurez. Y lo que Francois, el padre, tiene que aprender en la película es a permitir que su hijo, su hijo, se convierta en lo que debe ser y, por tanto, aprenda a vivir sin él. Eso es realmente lo que está en el centro de la película. Luego hay otras partes de la película que avanzan hacia el thriller, o incluso el horror corporal, y también intentamos ver realmente lo que significa la historia de la película en términos de política. Cómo se aceptan estos mutantes en la sociedad. Pero tienes razón al decir que en el centro de la película está el amor entre un padre y un hijo, y cómo ese amor nos cambia.io9: De los dos personajes, con el que más me identifiqué fue Émile por cómo él personalmente trata de su cambio gradual de humano a animal. Sucede de una manera tan inteligente y lógica, así que me preguntaba cómo rastreaste cómo se desarrollaría el arco del personaje en la película. Émile inicialmente rechaza, pero finalmente acepta, su verdadero yo. Imagen: StudioCanalCailley: Para mí, todo comienza con y viene de su madre. Cuando comienza la película, estas mutaciones ya llevan dos años ocurriendo y han transformado el mundo. Y la mamá de Émile es una de las personas directamente afectadas por esta enfermedad. Y al principio de la película, Émile rechaza a su madre. Y creo que eso se debe a que cree que tiene derecho a una adolescencia normal, y eso es lo que pondrá a los personajes de padre e hijo en oposición entre sí, y es que el padre absolutamente quiere mantener unido a su clan. Quiere que la madre permanezca en esta familia. Y así partimos de Émile rechazando lo anormal. Rechaza la anormalidad de su madre. Pero como en un cuento de hadas, la peor pesadilla siempre se hace realidad. Y así, en el momento en que Émile casi ha llegado a querer que su madre desaparezca, es cuando empieza a mutar. Y en su mutación descubrirá emociones positivas. Su relación con la joven de la película está permitida por lo que surge de la mutación. Su relación con el Hombre Pájaro también se debe a su mutación. Su mutación le permite volverse realmente valiente. Y eso le permite crecer más rápido. Y a partir de ahí es como si la relación con el padre se invirtiera, porque al principio el padre está lleno de certezas y Émile no. Y lo que finalmente sucede es que Émile sabe adónde tiene que ir. Y el padre no está seguro de todo. No tiene certezas. Y lo que encuentro muy hermoso en ese momento es que el coraje del hijo inspira a su padre. io9: Ahora, quiero entrar un poco en el diseño de la criatura porque no sólo el diseño es hermoso, sino que la ejecución es magnífica. Cuéntame un poco sobre el proceso. ¿Fue una evolución tradicional con arte conceptual y cosas por el estilo? ¿Cómo desarrollaste los diferentes looks de todos los mutantes de la película? Otro de los magníficos mutantes prácticos de la película. Imagen: StudioCanalCailley: Bueno, empezamos a trabajar, a partir del guión, con creadores de cómics y diseñadores de personajes. Lo hicimos durante varios meses y luego empezamos a utilizar en el casting lo que se había intentado en ese trabajo. Intentamos encontrar actores que tuvieran cuerpos peculiares, cuerpos inusuales o que tuvieran formas específicas e inusuales de usar sus cuerpos. Y luego, muy rápidamente, el gran debate, la gran pregunta fue cómo lograr nuestra combinación tecnológica. No quería tener efectos 100% digitales o CGI. Quería que los efectos de la película fueran concretos y orgánicos, y por eso decidimos hacer el máximo de efectos en el set. Y nos dimos cuenta de que para hacerlo necesitaríamos una combinación de tecnologías. Por eso siempre confiamos en la actuación. Siempre hay un actor delante de la cámara. Hay muchas prótesis, muchos efectos prácticos en el set y también hay algunos efectos digitales. También decidimos rodar exclusivamente en exteriores. Sin estudios, sin pantalla verde, para que la película sea lo más natural y realista posible. io9: Lo que me lleva, lamentablemente, a mi última pregunta. ¿Cómo cambió el rodaje en exteriores tu enfoque de los efectos y el vestuario? Seguramente eso significaba que no podías esconderte tanto. Cailley: Al filmar en lugares reales, tienes vegetación real y luz natural, y eso le da un color y un contraste muy específicos a las cosas. Entonces, cuando filmas tus efectos reales en lugares reales, te ayuda a encontrar la coherencia de la película, lo que significa que estás pensando en los efectos y todo lo demás de la misma manera. Son parte de la misma imagen, a diferencia de diferentes fases de la producción que quizás estén separadas por meses cuando haces efectos en postproducción. Entonces, lo que fue interesante para mí al filmar en lugares reales es que estás filmando algo que está vivo. El bosque es un ente vivo. El viento, la luz, las hojas que caen, el suelo. Todo esto eleva el nivel de realismo de la película. Y en ese caso, el trabajo del CGI es aportar el más alto nivel de credibilidad a la imagen. Mientras que cuando filmas con pantalla verde, CGI establece el estándar de credibilidad. Si estoy filmando en locaciones reales, somos yo y mi equipo quienes establecemos ese estándar. Y eso es lo que prefiero porque me permite controlar lo que hago. Créanos, Cailley sabe lo que hace. The Animal Kingdom estará en cines y bajo demanda el viernes 15 de marzo. ¿Quieres más noticias de io9? 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