Imagen: Warner Bros. Las cosas están a punto de volverse aún más extrañas e inusuales, a juzgar por el aspecto del primer tráiler absolutamente divertido y desquiciado de Beetlejuice Beetlejuice. Tim Burton dirige al regreso de Michael Keaton como Beetlejuice, Winona Rider como Lydia Deetz y Catherine O’Hara como su madrastra, Delia, además de Jenna Ortega como la hija de Lydia, Astrid. ¿Quién debería ser el nuevo Doctor Doom? Selecciones de io9 Después de la muerte de un miembro de la familia Deetz, su viejo amigo Beetlejuice vuelve a entrar en escena, lo que provoca una nueva cadena de travesuras en el más allá. Echa un vistazo al tráiler para ver cómo se desarrolla todo. BEETLEJUICE BEETLEJUICE | Avance oficial Es fantástico ver al agente no-muerto del caos de Keaton nuevamente en acción y el estilo extravagante característico de Burton (acción stop-motion, ¡sí!), que nos estábamos perdiendo. Su último largometraje fue Dumbo de 2019, aunque, por supuesto, tuvo la exitosa serie de Netflix protagonizada por Ortega el miércoles de 2022. Hablando de eso, es emocionante ver a Ortega encajar perfectamente con el grupo de Beetlejuice; Espero que su personaje emprenda un viaje similar al que alguna vez experimentó su madre en esta nueva historia de crisis existencial después de la muerte. Monica Bellucci, Willem Dafoe y Justin Theroux completan el conjunto, mientras que queda por ver si algún otro miembro del elenco de Beetlejuice retomará sus papeles de alguna manera. Esperamos al menos un cameo de Barbara Maitland (Geena Davis), aunque tal vez ella y Adam (Alec Baldwin) encontraron la paz en el más allá una vez que cumplieron con su tarea pendiente de ser padres a través de Lydia. Beetlejuice Beetlejuice se estrena en cines el 6 de septiembre. ¿Más noticias de io9? Vea cuándo esperar los últimos lanzamientos de Marvel, Star Wars y Star Trek, qué sigue para el Universo DC en cine y televisión, y todo lo que necesita saber sobre el futuro de Doctor Who.
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Todos los que leen libros y fanfiction saben que existe una clara diferencia en la velocidad de lectura. Si bien un libro de 500 páginas puede tardar una semana en leerse, leer a “velocidad de fanfiction” puede permitir al lector devorar una ficción de tamaño similar en el transcurso de una noche. ¿Cómo es que el fanfic es capaz de desafiar rutinariamente los límites de la fatiga visual y la necesidad de dormir? ¿Qué importancia tuvo para Jason Reitman ser parte de Ghostbusters: Frozen Empire? Es posible porque el fanfiction es uno de los mejores escritos que existen, sobresaliendo en enganchar a los lectores y mantenerlos cautivados. Dado que este es el objetivo de cualquier escritor que quiera reunir y hacer crecer una audiencia, estudiar el fanfiction y cómo logra este truco de magia en particular puede ayudar a descubrir los secretos para contar una historia que cautive a los fanáticos. A lo largo de los años, he consumido una gran cantidad de fanfiction, que creo que se diferencia de muchas historias publicadas tradicionalmente en tres aspectos: todas ellas lecciones que los autores de SFF pueden aprovechar para profundizar su conexión con su audiencia. Primero, el fanfiction no tiene miedo de darles descaradamente a los lectores lo que anhelan. De hecho, yo diría que la razón principal por la que se crean la mayoría de los fanfics es porque el escritor tiene una idea que no puede dejar de lado y que le hubiera encantado ver en una propiedad. A veces se trata de relaciones, especialmente las queer, que nunca aparecieron en la pantalla ni en las páginas. Otras veces, es una exploración de identidades marginadas y las formas en que los individuos marginados podrían encajar en el mundo. Pero, sobre todo, a los escritores de fanfics les encanta jugar en el entorno limitado de los tropos. Mientras que muchos autores pueden tener miedo de ser etiquetados como “tropeys” o “predecibles”, los escritores y lectores de fanfics crean y buscan activamente ficciones que presenten tropos populares. Los lectores pueden eliminar fácilmente determinadas picazones en Ao3 (Archive of Our Own, un proyecto de la Organización para Obras Transformativas), uno de los sitios de alojamiento de fanfics más populares, utilizando la función de filtrado de etiquetas. Hay casi 150.000 historias en el sitio etiquetadas como “familia de elección”, 133.000 etiquetadas como “enemigos de amantes”, 195.000 etiquetadas como “anhelo mutuo” y 133.000 etiquetadas como “idiotas enamorados”. Hay la asombrosa cantidad de 310.000 ficciones en Ao3 etiquetadas como “daño/comodidad emocional”, un estilo de ficción en el que los personajes se ayudan entre sí a curar heridas emocionales. Con este tipo de demanda, yo diría que cuando los escritores de SFF adoptan los tropos, es probable que atraigan a una gran audiencia que consume felizmente cualquier cosa que pueda convertirse fácilmente en un mapa de tropos. En segundo lugar, en el fanfiction se enfatizan diferentes elementos del oficio: hay un gran enfoque en el diálogo, el desarrollo de los personajes en lugar de la trama, y una atmósfera y una construcción del mundo profundas. Por ejemplo, actualmente hay más de 51.000 obras en Ao3 bajo la etiqueta “bromas”, y los lectores de fanfiction habitualmente elogian a los escritores que pueden crear el tipo de réplica animada y alegre por la que se conoce el fanfiction. Crear un diálogo convincente es difícil, razón por la cual los autores deberían estudiar qué tan buenos son los escritores de fanfics en eso. Parte de esto proviene de conocer completamente a los personajes, lo que coincide con el énfasis del fanfiction en el desarrollo y la interacción de los personajes por encima de la insistencia en que la trama impulse la narrativa. Algunas de las ficciones más desgarradoras que he leído han tenido poca o ninguna trama; tienen lugar en una sola noche o están enteramente en diálogo, por ejemplo. Los mejores fanfics dejan a los lectores con la sensación de que conocen y aman aún más a los personajes presentados, lo que genera una conexión emocional. A menudo cuenta con la ayuda de un enfoque especial en la construcción de mundos y la atmósfera, explicando y construyendo minucias de un mundo existente para que los lectores puedan imaginarlo más plenamente y sumergirse en las vibraciones más importantes. En tercer lugar, como resultado de las técnicas artesanales mencionadas anteriormente, el fanfiction está impulsado por la resonancia emocional que tanto el escritor como el lector tienen con la obra en cuestión. Para los escritores, el fanfiction ha permitido a una generación iniciarse como autores, completando historias en el transcurso de semanas, meses o años. Enseñó a una generación de escritores no sólo cómo elaborar buenas historias, sino también que sus historias eran importantes y valoradas por los lectores, y que había un mercado para el contenido que subvertía el paradigma abrumadoramente blanco, cis y heteronormativo de libros, películas, y programas de televisión a principios de la década de 2000. No todos éramos escritores de fanfics (yo no lo era, simplemente un ávido consumidor), pero ver cómo se acumulaban los elogios, los marcadores y los comentarios sobre historias silenciosas, queer o cualquier otra cosa, tuvo un impacto innegable. Demostraron que había una audiencia para el tipo de historias que queríamos escribir y compartir con el mundo. Y ahora algunos de esos escritores y lectores de fanfics, incluido yo, hemos tomado estas ideas y las hemos publicado: mi primera fantasía para adultos, The Sins on Their Bones, sale el 7 de mayo de 2024 y presenta bromas, añoranza, dolor. comodidad, y todos y cada uno de mis tropos favoritos (amantes a enemigos/amigos a amantes, ¿alguien?). Para los lectores, los fanfic ofrecieron el tipo de conexión que todos esperan tener con su libro favorito: una resonancia profunda y duradera que puede llevar a relecturas tras relecturas. Los lectores de fanfic quieren sollozar con todo su corazón, gritar por el romance de parejas imaginadas y sentir cuando consumen historias. Los mejores escritores de fanfics lo saben y adaptan sus obras para evocar precisamente esas emociones como objetivo principal. Son historias maravillosas que los lectores no quieren dejar de lado, y ¿qué autor no querría saber que se produjeron lágrimas humanas reales por algo que escribieron? Mi esperanza es que la comunidad de escritores pueda tomar las lecciones del fanfiction (artesanía, contenido y otros) y utilizarlas para continuar transformando la industria editorial. En el mejor sentido de las obras transformadoras, y de brindarles a los lectores lo que quieren leer, la inspiración del fanfiction puede conducir a libros publicados de manera aún más tradicional que hablen a los lectores. Y entonces tal vez las cosas cierren el círculo y esos libros inspiren sus propios fanfictions de una nueva generación de creadores. The Sins on Their Bones, de Laura R. Samotin, se estrena el 7 de mayo; Puedes reservar una copia personalizada y firmada en la librería Ripped Bodice de Brooklyn aquí. ¿Quieres más noticias de io9? 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Apenas una semana después de que Kate Middleton, la Princesa de Gales, se disculpara por editar una foto de ella y sus hijos en el Día de la Madre, la familia real del Reino Unido está nuevamente en problemas por otro retrato familiar, que casualmente está relacionado con Middleton.Getty Images Wants La IA dejará de copiarlasGetty Images, una de las agencias fotográficas más grandes del mundo, alertó al público sobre la segunda imagen manipulada el lunes cuando colocó una nota del editor en una foto de la difunta reina Isabel II rodeada de sus nietos y bisnietos. “La imagen ha sido mejorada digitalmente en la fuente”, se lee en la nota del editor sobre la foto, que aún está disponible para licencia. La foto, una mirada poco común al difunto monarca con los miembros más jóvenes de la familia, fue tomada por Middleton en agosto de 2022 en Balmoral. Castillo en Escocia. Fue compartido por la cuenta oficial de redes sociales del Príncipe y la Princesa de Gales el 21 de abril de 2023, para conmemorar lo que habría sido el 97 cumpleaños de la Reina Isabel. La reina Isabel murió en septiembre de 2022. La foto también se envió a agencias como Getty. Getty fue una de las muchas agencias de fotografía, junto con Associated Press y Reuters, que eliminaron la foto del Día de la Madre de Middleton de su oferta la semana pasada. Las agencias sólo permiten una edición mínima en las fotografías que distribuyen. “Getty Images está llevando a cabo una revisión de las imágenes distribuidas y, de acuerdo con su política editorial, está colocando una nota del editor en las imágenes donde la fuente ha sugerido que podrían mejorarse digitalmente”, dijo Getty. El portavoz de Imágenes le dijo a Gizmodo en un comunicado enviado por correo electrónico el martes. No se pudo contactar de inmediato a la oficina de prensa del Príncipe y la Princesa de Gales para hacer comentarios. Para mis ojos inexpertos, no está claro cuántas ediciones se han realizado en la foto de la Reina. Elizabeth con sus nietos y bisnietos, y Getty no especificó. CNN informa que encontró 19 posibles alteraciones, mientras que The Telegraph encontró 7. Estas son las que puedo ver con mi cara pegada a la pantalla de mi computadora: Hay una desalineación de la falda a cuadros de la reina Isabel cerca de su codo derecho. Éste es bastante malo. La desalineación va desde la falda hasta el sofá verde, donde los hoyuelos de la tela cerca del botón no se alinean. Hay un recorte negro sobre el hombro del Príncipe George. Puedes verlo frente al vestido verde de Lady Louise Mountbatten-Windsor. El príncipe Louis, que está a la derecha junto al jarrón con la rosa roja, parece como si le hubieran recortado la cabeza en otro lugar si haces zoom. Savannah Philips , la bisnieta de la Reina que está sentada junto a ella vestida de rojo, parece que su cabello rubio le atraviesa la manga roja. Luego reaparece mágicamente. En el costado del sofá cerca del jarrón con la rosa, hay otra mala alineación. Las marcas de los hoyuelos no se alinean. Si encuentran más, ¡no duden en hacérmelo saber en los comentarios! Aunque Middleton no ha dicho que las ediciones fueron su trabajo (es muy posible que solo haya tomado la foto), es Es difícil no hacer la conexión. (La Familia Real acreditó a la Princesa como fotógrafa en las redes sociales). El incidente pone en duda la reputación de la familia real del Reino Unido y aumenta la tormenta de escrutinio que ya la rodea debido a la desaparición de Middleton del ojo público durante meses después de una cirugía abdominal. La ausencia de Middleton ha provocado una serie de teorías de conspiración, y algunas especulan que se va a divorciar del Príncipe William o que en realidad está muerta. Junto con la IA, que ha estado creando pornografía falsa de celebridades y otras atrocidades, el incidente parece reflejar el comienzo de una nueva era en la que no podemos confiar en lo que vemos. En una entrevista la semana pasada, Phil Chetwynd, director mundial de noticias de la Agence France-Presse (AFP), dijo que el palacio había sido considerado una fuente confiable durante mucho tiempo. Cuando se le preguntó si todavía era una fuente confiable, Chetwynd dijo: «No, absolutamente no».
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Lo único más impresionante que ver a Paul Atreides montar un gusano de arena en Dune: Parte Dos es ver al director Denis Villeneuve explicar cómo lo hizo posible. Villeneuve sabía que la escena era posiblemente la más memorable y crucial de la segunda mitad de su adaptación, y dedicó una enorme cantidad de tiempo y cuidado para hacerla perfecta. Preparando las escenas del gusano de arena en Dune: segunda parte Del diálogo, hasta los ángulos de la cámara, los camiones que arrastraban arena con ventiladores gigantes y más, hacer que Paul montara el gusano de arena fue una tarea hercúlea. Y en un nuevo vídeo, Villeneuve desglosa cada detalle, con algunas revelaciones muy sorprendentes a lo largo del camino. Gracias a Vanity Fair por el vídeo. El director de ‘Dune: Part Two’, Denis Villeneuve, analiza una escena | Vanity FairDos de las cosas que más me dejaron boquiabierto en el vídeo fueron, en primer lugar, la idea de que Paul extraña su Uber. He visto la película tres veces y nunca se me ocurrió que Paul tuviera que correr tras el gusano de arena porque no tiene experiencia y lo arruinó. Me encanta ese pensamiento detrás de esto. También la idea de que para que la duna de arena cayera correctamente, había tres camiones fuera de la pantalla que arrastraban enormes cilindros es una de esas cosas que no se pueden aprender de un libro, solo tienes que descubrirlo mientras te preparas para hacer. una película. Esas son sólo dos de las muchas revelaciones interesantes aquí. Algunas otras, la idea de que Villeneuve se negó a utilizar luz artificial, por lo que sólo podían trabajar en el lugar a una determinada hora del día, es un testimonio de su precisión. Y todos sus dibujos sobre la marcha y descripciones de los cardanes utilizados también son fascinantes. Básicamente, escuchar a Villeneuve hablar sobre cómo hizo esta escena, todo lo que implicaba y su orgullo por el resultado, es un ejemplo perfecto de por qué Dune: Parte Dos es tan buena y por qué otras películas, que tal vez no se hayan hecho. Con tanto cuidado, ¿no? Dune Part Two ya está en los cines. ¿Quieres más noticias de io9? Vea cuándo esperar los últimos lanzamientos de Marvel, Star Wars y Star Trek, qué sigue para el Universo DC en cine y televisión, y todo lo que necesita saber sobre el futuro de Doctor Who.
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Imagen: Warner Bros.Hace dos semanas, Dune: Part Two salió a los cines y se convirtió en el primer gran éxito de 2024. Incluso con el lanzamiento de Kung Fu Panda 4 el fin de semana pasado, eso realmente no ha cambiado; en todo caso, parece La segunda parte tendrá algunas piernas fuertes durante el resto de su carrera teatral. Denis Villeneuve sobre Ending Dune: Part Two That Way Según Variety, es muy probable que la película de ciencia ficción recaude más de 500 millones de dólares el lunes. Al momento de escribir este artículo, su recaudación global es de 494,7 millones de dólares, lo que la sitúa ligeramente por encima de los 434,8 millones de dólares de la película original. Si bien la película de 2021 tuvo un lanzamiento simultáneo de HBO Max con el que lidiar, la segunda parte fue promocionada como exclusiva en los cines y tiene el boca a boca para continuar. (Si tienes Twitter, probablemente hayas oído hablar del tipo que la ha visto casi 20 veces hasta este momento). Actualmente, es la película más taquillera de todo 2024, tanto a nivel nacional como mundial. Superar los 500 millones de dólares la convertiría en una de las pocas películas en lograrlo en nuestros tiempos (no del todo) pospandémicos, y los analistas han especulado que la película recaudará alrededor de 600 millones de dólares cuando todo esté dicho y hecho. Incluso con el nuevo hito de Dune, Kung Fu Panda 4 logró asegurarse el primer puesto en la taquilla nacional. La secuela animada de Dreamworks recaudó otros 30 millones de dólares en Norteamérica y 39,6 millones de dólares a nivel internacional. Con 176,5 millones de dólares en todo el mundo, todavía le queda mucho camino por recorrer antes de tocar la taquilla de las tres primeras películas, cada una de las cuales recaudó entre 500 y 600 millones de dólares durante sus ejecuciones individuales. La próxima semana, ambas películas tendrán una poderosa competencia en Ghostbusters: Frozen Empire, que ha recibido una gran promoción en las últimas semanas. (Eso, y a la gente le encantan algunos Cazafantasmas). El 29 de marzo, el kaiju irá a la guerra en Godzilla x Kong: The New Empire, aunque ese puede verse perjudicado (o ayudado) por el reciente éxito de Godzilla Minus One. Dado lo bien que le está yendo hasta ahora, WB podría mantener a Dune en los cines por más tiempo de lo normal, pero si no, siempre habrá transmisión. ¿Quieres más noticias de io9? Vea cuándo esperar los últimos lanzamientos de Marvel, Star Wars y Star Trek, qué sigue para el Universo DC en cine y televisión, y todo lo que necesita saber sobre el futuro de Doctor Who.
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Imagen: Prime VideoAdaptar cualquier propiedad conocida siempre va a ser una gran hazaña, especialmente cuando se trata de videojuegos. Una cosa es adaptar un cómic o un programa de televisión y otra adaptar una serie de juegos, que conllevan un mayor grado de autoexpresión. Puedes complacer a algunos fanáticos, pero no puedes complacer a todos, como hemos visto básicamente con todas las adaptaciones de juegos a televisión o películas en los últimos cinco años. Cómo hacer que Freddy Fazbear Pizza Band cobre vida para cinco Nights at Freddy’s Hablando con T3, el cocreador de Westworld, Jonathan Nolan, dijo lo mismo sobre el próximo programa de Fallout. Como muchos, entró en la serie con Fallout 3 allá por 2008, lo que, según dijo, consumió aproximadamente un año de su vida en aquel entonces. En ese momento, habría estado trabajando en bastantes proyectos y fue franco al decir que el juego de rol «casi descarriló toda mi carrera». Los fanáticos de Fallout han estado divididos sobre la serie durante algún tiempo (ver las primeras reacciones a Fallout 76), y a Nolan también le resultó imposible que el programa complaciera a toda la comunidad. «Es una tontería», dijo. «Tienes que hacerte feliz». Con Fallout, continuó, era que todos «entraran en esto tratando de hacer el programa que querían hacer». Teniendo en cuenta las entrevistas anteriores, no parece que este programa vaya a diferir enormemente de esos juegos, pero tendrán su propio giro en los elementos básicos de la serie que probablemente molestarán a los amantes de toda la vida. Entre esto y su trabajo en Batman, lo llamó «algo raro e increíble… tomar algo que amas y tener la oportunidad de jugar en ese universo, para crear tu propia versión». Sin duda le gustaría que fuera un gran éxito de varias temporadas como Westworld y Person of Interest, pero sonó honesto al decir que estaba «muy contento» con el resultado de esta serie. Descubriremos si debería estar feliz cuando los ocho episodios de Fallout lleguen a Prime Video el 11 de abril. ¿Quieres más noticias de io9? Vea cuándo esperar los últimos lanzamientos de Marvel, Star Wars y Star Trek, qué sigue para el Universo DC en cine y televisión, y todo lo que necesita saber sobre el futuro de Doctor Who.
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Imagen: Warner Bros.Hollywood lleva años intentando revivir La pequeña tienda de los horrores para una nueva audiencia cinematográfica. Lo último que supimos es que el director de Arrowverse, Greg Berlanti, iba a intentarlo con Billy Porter y tal vez Chris Evans. Esa versión finalmente fue descartada en 2022, pero Hollywood está tratando de hacer crecer una nueva versión de la querida película una vez más. Ben Schwartz sobre el equilibrio entre la comedia con guión y la improvisación en Renfield | Entrevista io9 Según lo informado por Deadline, la película de comedia de terror se está reiniciando, con el director de Gremlins Joe Dante al mando y Roger Corman (quien dirigió la película original de 1960) como coproductor. ¿El giro? Es una reinvención denominada Little Shop of Halloween Horrors que también pretende ser el puntapié inicial de una nueva franquicia cinematográfica. Dante trabajará con un guión escrito por Charles S. Haas (Gremlins 2). La Pequeña tienda de los horrores original, y su musical más popular de 1986, se centraron en un florista llamado Seymour que descubre una planta con apariencia de Venus atrapamoscas a la que finalmente llama Audrey Jr. (o Audrey II en el musical). La planta logra convencer a Seymour de que siga alimentándola con gente, y las cosas rápidamente se salen de control a partir de ahí. Al momento de escribir este artículo, parece que esa seguirá siendo la premisa general de esta nueva película, más o menos algunos elementos de la trama específicos de Halloween. Lo que no está claro es si se presentará como una comedia de terror pura como la original o si será como la película de 1986 y tomará la ruta musical. Hasta que salga la nueva versión, puedes ver las películas anteriores de Little Shop of Horrors en servicios como Vídeo principal. Y si tienes a Max, puedes ver el episodio «Little Rock of Horrors» de Billy & Mandy. ¡Es corto, pero sigue siendo genial! ¿Quieres más noticias de io9? Vea cuándo esperar los últimos lanzamientos de Marvel, Star Wars y Star Trek, qué sigue para el Universo DC en cine y televisión, y todo lo que necesita saber sobre el futuro de Doctor Who.
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Los reguladores federales quieren reparar las máquinas de helado rotas de McDonald’s y están pidiendo ampliar las leyes de derecho a reparar para abordar el problema. En una carta enviada el jueves a la Oficina de Derechos de Autor de EE. UU., los reguladores pidieron que las máquinas comerciales de servicio suave estuvieran exentas de las leyes actuales que dificultan su reparación. Las leyes también hacen que sea más difícil obtener un McFlurry. Kara Swisher sobre todas las tonterías en la industria tecnológica“En opinión de las agencias, renovar y ampliar las exenciones relacionadas con las reparaciones promovería la competencia en los mercados de piezas de repuesto, reparación y servicios de mantenimiento”, dijeron el Departamento de Justicia y la Comisión Federal de Comercio en una carta conjunta. Las máquinas de helado rotas de McDonald’s se han encontrado en el centro del movimiento por el derecho a reparar. La razón por la que las máquinas de helados de McDonald’s siempre están fuera de servicio es por la ley de derechos de autor. Sólo los técnicos autorizados por la empresa que fabricó el dispositivo pueden tocar las máquinas, y cobran más de 300 dólares por un servicio de 15 minutos, según la carta. El DOJ y la FTC identificaron las máquinas comerciales de helado suave como una de las cuatro categorías de dispositivos que se beneficiarían de una flexibilización de las leyes de derechos de autor. Las máquinas de helado rotas no sólo son frustrantes para los clientes, sino que también son un dolor de cabeza para McDonald’s. Una avería en el equipo de servicio suave puede provocar que un solo restaurante pierda 625 dólares al día. La escasez de técnicos de reparación con licencia también significa que siempre hay un largo tiempo de espera para reparar una máquina de helado suave. McDonald’s compra máquinas de helado a Taylor, un fabricante de equipos para restaurantes, y Taylor es el único autorizado a reparar estas máquinas gracias a la ley de derechos de autor. . Cuando una máquina de helados Taylor se estropea, muestra mensajes de error sin sentido para confundir a terceros. Una empresa de reparación, Kytch, descubrió una manera de decodificar los mensajes, pero McDonald’s dijo a sus tiendas que no la usaran. Los reguladores citan un informe de iFixit de agosto, que descompone una de las máquinas de helado suave de Taylor y describe cómo repararlas. iFixit describe las máquinas de helado de McDonald’s como un enorme problema de derecho a reparar. A menudo, los desastres en materia de derecho a reparar provienen de lugares poco probables, como los tractores John Deere, los escándalos de los trenes polacos o incluso las máquinas de helado de McDonald’s. El tema común es que las leyes de derechos de autor permiten a los grandes fabricantes dominar los mercados, dejando a las pequeñas empresas y a los consumidores frustrados. Los reguladores ahora parecen estar prestando más atención a estos viejos y evidentes problemas. También el viernes, los restaurantes McDonald’s están experimentando cortes generalizados en todo el mundo, según Time. Esto está provocando que muchas tiendas cierren temporalmente, ya que el personal no puede procesar pedidos electrónicos.
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Para muchos de nosotros, es imposible escuchar la palabra «mutante» y no pensar inmediatamente en los X-Men. El equipo de mutantes de Marvel de más de 60 años, tema de cómics, películas, programas, juguetes y más, ha dominado tanto la cultura pop, especialmente en las últimas décadas, que es una línea de pensamiento válida. Entonces, cuando les digo que se estrenará una nueva gran película de mutantes, primero podrían pensar que estoy hablando de Deadpool vs. Wolverine. No soy. ¿Quién debería ser el nuevo Wolverine? Selecciones de io9 Estoy hablando de The Animal Kingdom, una película poderosa, poética y conmovedora del director Thomas Cailley. Ambientada en un mundo donde ciertos humanos han comenzado misteriosamente a transformarse en híbridos de ellos mismos y de animales, la película sigue a un padre y un hijo que lidian con una madre mutante y, eventualmente, con mucho más. Se estrena en cines selectos y bajo demanda el viernes y viene con nuestra más alta recomendación, por lo que io9 se sentó con Cailley para hablar sobre ello. Hablando por video chat con la ayuda de un traductor, el coguionista y director explicó por qué cree que el tema de mutantes es mucho más complejo que solo los X-Men. También hablamos sobre cómo está usando esa metáfora como un espejo de nuestra humanidad, así como el impresionante diseño de la criatura, la filmación en exteriores y cómo esa cohesión agregó un nivel de realismo que las películas protagonizadas por Cyclops, Wolverine y Storm nunca podrían lograr. la entrevista con Cailley a continuación, y definitivamente echa un vistazo a The Animal Kingdom en los cines y bajo demanda el 15 de marzo. Cailley en el set. Imagen: StudioCanalGermain Lussier, io9: Entonces, a pesar de mi excelente reseña, supongo que la mayoría de mis lectores no sabrán mucho sobre The Animal Kingdom. Por favor, cuéntame cómo surgió la idea.Thomas Cailley: Comencé a escribir la película en 2019 con mi coguionista Pauline Munier. Y lo que me gustó fue esta idea de mutación, que por un lado analiza lo que significa crecer, convertirse en adulto, pero también permite explorar la caja negra de la relación entre padres e hijos y el tema de transmisión. También nos permite ver qué pasa en una sociedad donde todo está patas arriba, donde de repente las cosas cambian muy rápido y se despiertan ciertos instintos. Instintos de amor incondicional, pero también de rechazo y violencia. Y esta fue una manera de plantear estas importantes preguntas sobre cómo vivimos todos juntos y nos llevamos bien. io9: Tengo que admitir que, cuando leí por primera vez sobre la película en el Fantastic Fest, lo primero que pensé cuando vi “mutante” fue “X -Hombres.» Y estoy seguro de que mucha gente tiene la misma conexión. Obviamente, esto no es nada de eso, pero ¿cuánto, si es que miraste o pensaste en los X-Men o en cualquier otro tipo de mutantes en la cultura pop antes de atacarlos tú mismo? Emile está mutando. Imagen: StudioCanalCailley: Creo que la metáfora de la hibridación entre humanos y animales se remonta mucho más atrás que los cómics, los X-Men y el Universo Marvel. Hay híbridos de animales y humanos en las paredes de cuevas prehistóricas. Así que es una historia muy, muy antigua que se remonta a la época en la que todavía pensábamos que pertenecíamos al vasto mundo al que ahora nos referimos como naturaleza. Una vez que el cine se apoderó de este tema de la hibridación, ha ido básicamente en dos direcciones. La única dirección es la de la monstruosidad. Los humanos se convierten en animales y por tanto en monstruos. La otra dirección es que los humanos adopten habilidades o poderes animales, y eso los convierte en superhéroes como los X-Men. Nuestra ambición aquí era tener personajes que no fueran ni monstruos ni superhéroes. Y es por eso que tan pronto como un personaje adquiere una característica o rasgo animal, pierde una característica o rasgo humano. Y eso mantiene a nuestros personajes de alguna manera incompletos en su naturaleza, lo cual creo que es la base de nuestra humanidad. io9: Vaya, eso me encanta. También me encanta que, si bien esta historia podría haberse contado a escala global, algo así como el Día de la Independencia, decidiste centrarte realmente en ella y contar esa historia global a un nivel personal con la relación entre padre e hijo. ¿Cómo se tomó la decisión de contar esta historia de esa manera?François (Romain Duris) y Émile (Paul Kircher)Imagen: StudioCanalCailley: Lo que estructura el guión y la historia de la película es precisamente esta relación entre padre e hijo. Y eso era lo que me interesaba en el nivel más primario. Así es como un padre mira a su hijo y cómo eso cambia. Ese, creo, es el aspecto más universal de esta sociedad. La forma en que la mutación afecta a Émile es, por supuesto, una metáfora del paso a la edad adulta, a la madurez. Y lo que Francois, el padre, tiene que aprender en la película es a permitir que su hijo, su hijo, se convierta en lo que debe ser y, por tanto, aprenda a vivir sin él. Eso es realmente lo que está en el centro de la película. Luego hay otras partes de la película que avanzan hacia el thriller, o incluso el horror corporal, y también intentamos ver realmente lo que significa la historia de la película en términos de política. Cómo se aceptan estos mutantes en la sociedad. Pero tienes razón al decir que en el centro de la película está el amor entre un padre y un hijo, y cómo ese amor nos cambia.io9: De los dos personajes, con el que más me identifiqué fue Émile por cómo él personalmente trata de su cambio gradual de humano a animal. Sucede de una manera tan inteligente y lógica, así que me preguntaba cómo rastreaste cómo se desarrollaría el arco del personaje en la película. Émile inicialmente rechaza, pero finalmente acepta, su verdadero yo. Imagen: StudioCanalCailley: Para mí, todo comienza con y viene de su madre. Cuando comienza la película, estas mutaciones ya llevan dos años ocurriendo y han transformado el mundo. Y la mamá de Émile es una de las personas directamente afectadas por esta enfermedad. Y al principio de la película, Émile rechaza a su madre. Y creo que eso se debe a que cree que tiene derecho a una adolescencia normal, y eso es lo que pondrá a los personajes de padre e hijo en oposición entre sí, y es que el padre absolutamente quiere mantener unido a su clan. Quiere que la madre permanezca en esta familia. Y así partimos de Émile rechazando lo anormal. Rechaza la anormalidad de su madre. Pero como en un cuento de hadas, la peor pesadilla siempre se hace realidad. Y así, en el momento en que Émile casi ha llegado a querer que su madre desaparezca, es cuando empieza a mutar. Y en su mutación descubrirá emociones positivas. Su relación con la joven de la película está permitida por lo que surge de la mutación. Su relación con el Hombre Pájaro también se debe a su mutación. Su mutación le permite volverse realmente valiente. Y eso le permite crecer más rápido. Y a partir de ahí es como si la relación con el padre se invirtiera, porque al principio el padre está lleno de certezas y Émile no. Y lo que finalmente sucede es que Émile sabe adónde tiene que ir. Y el padre no está seguro de todo. No tiene certezas. Y lo que encuentro muy hermoso en ese momento es que el coraje del hijo inspira a su padre. io9: Ahora, quiero entrar un poco en el diseño de la criatura porque no sólo el diseño es hermoso, sino que la ejecución es magnífica. Cuéntame un poco sobre el proceso. ¿Fue una evolución tradicional con arte conceptual y cosas por el estilo? ¿Cómo desarrollaste los diferentes looks de todos los mutantes de la película? Otro de los magníficos mutantes prácticos de la película. Imagen: StudioCanalCailley: Bueno, empezamos a trabajar, a partir del guión, con creadores de cómics y diseñadores de personajes. Lo hicimos durante varios meses y luego empezamos a utilizar en el casting lo que se había intentado en ese trabajo. Intentamos encontrar actores que tuvieran cuerpos peculiares, cuerpos inusuales o que tuvieran formas específicas e inusuales de usar sus cuerpos. Y luego, muy rápidamente, el gran debate, la gran pregunta fue cómo lograr nuestra combinación tecnológica. No quería tener efectos 100% digitales o CGI. Quería que los efectos de la película fueran concretos y orgánicos, y por eso decidimos hacer el máximo de efectos en el set. Y nos dimos cuenta de que para hacerlo necesitaríamos una combinación de tecnologías. Por eso siempre confiamos en la actuación. Siempre hay un actor delante de la cámara. Hay muchas prótesis, muchos efectos prácticos en el set y también hay algunos efectos digitales. También decidimos rodar exclusivamente en exteriores. Sin estudios, sin pantalla verde, para que la película sea lo más natural y realista posible. io9: Lo que me lleva, lamentablemente, a mi última pregunta. ¿Cómo cambió el rodaje en exteriores tu enfoque de los efectos y el vestuario? Seguramente eso significaba que no podías esconderte tanto. Cailley: Al filmar en lugares reales, tienes vegetación real y luz natural, y eso le da un color y un contraste muy específicos a las cosas. Entonces, cuando filmas tus efectos reales en lugares reales, te ayuda a encontrar la coherencia de la película, lo que significa que estás pensando en los efectos y todo lo demás de la misma manera. Son parte de la misma imagen, a diferencia de diferentes fases de la producción que quizás estén separadas por meses cuando haces efectos en postproducción. Entonces, lo que fue interesante para mí al filmar en lugares reales es que estás filmando algo que está vivo. El bosque es un ente vivo. El viento, la luz, las hojas que caen, el suelo. Todo esto eleva el nivel de realismo de la película. Y en ese caso, el trabajo del CGI es aportar el más alto nivel de credibilidad a la imagen. Mientras que cuando filmas con pantalla verde, CGI establece el estándar de credibilidad. Si estoy filmando en locaciones reales, somos yo y mi equipo quienes establecemos ese estándar. Y eso es lo que prefiero porque me permite controlar lo que hago. Créanos, Cailley sabe lo que hace. The Animal Kingdom estará en cines y bajo demanda el viernes 15 de marzo. ¿Quieres más noticias de io9? 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